阿尔特国家美术馆_阿尔特国家美术馆在哪里

阿尔特国家美术馆_阿尔特国家美术馆在哪里 _阿尔特国家美术馆在哪里

       非常欢迎大家参与这个阿尔特国家美术馆问题集合的探讨。我将以开放的心态回答每个问题，并尽量给出多样化的观点和角度，以期能够启发大家的思考。

1.2022广州车展：阿尔特TRUCK MAD皮卡亮相

2.胡安·里波列斯的艺术年表

3.评述一个艺术流派或设计流派

4.长春阿尔特汽车技术有限公司怎么样

5.阿尔特卡尔曼汽车是什么国家出的

6.基督诞生的德国名作

2022广州车展：阿尔特TRUCK MAD皮卡亮相

       易车讯?在2022广州车展，阿尔特首款TRUCK MAD皮卡正式亮相，同时亮相的还有RUBIK.X全新高集成度智能数字化底盘。

       TRUCK MAD皮卡定位于未来派全尺寸全地形纯电皮卡，长宽高分别为5878*2198*2029mm，轴距3622mm。其采用了太空机能风设计风格，外观有着对称式造型、无B柱对开侧门设计、交互式前后灯以及单向透光一体化车身等设计。

       车内则采用独特钻石五座设计布局，配备了星舰式中心驾驶席以及可开放式后舱，同时具备了驾、享、悦、野四种坐席模式。

       配置方面，新车配备了L2.5辅助自动驾驶、360°透明座舱系统、多功能尾箱等。性能方面，新车续航里程可实现800km以上续航，配合电池包可提升到1000km。

       值得一提的是，阿尔特还推出了RUBIK.X全新高集成度智能数字化底盘。其定位于具备上下车体分离属性，可独立制造的全新纯电平台，续航里程涵盖500-800km。

       技术方面，RUBIK.X底盘具备了高度集成化功能单元、一体式铸造、前后通用行驶模块、超低姿态悬架、随动/四轮转向、线控底盘、CTC、超高压、集成式热管理、多介质热交换器、扁线油冷电机、SiC逆变器、中央集成式架构等技术。

       阿尔特汽车技术股份有限公司成立于2007年，总部位于北京。是国家首批高新技术企业、中国首家上市的独立汽车设计公司、中国独立汽车设计领军品牌。主营业务为整车研发、核心零部件研发及制造、软件开发、新能源汽车研发等。

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胡安·里波列斯的艺术年表

       克里姆特于1907年创作的《阿黛尔·布洛赫-鲍尔》被称为“奥地利的蒙娜丽莎”，2004年6月被美国化妆品大王劳德以1.35亿美元收藏。天啦噜！真值钱！

       你肯定很好奇，这画中的美女是谁？她看上去典雅高贵，又眼神迷离。她的双手交叉放在胸前，似乎在掩饰一只残疾的手指。

        克里姆特的这位模特儿是是奥地利制糖业富商费迪南德·布洛赫·鲍尔的妻子。她因为在画中身穿黄金衣服，又站在黄金色的背景中，被称为“woman in gold”。2015年上映的**《The Woman in Gold》完整记录了这幅画的离奇遭遇。

        阿黛尔·布劳赫-鲍尔**本来就是个美人，而克里姆特用极具个人风格的画笔，让她的美成为不朽的经典，完美呈现了奥地利黄金时代的辉煌和优雅。

       阿黛尔出生自一个富裕的犹太家庭。她的父亲是维也纳银行协会总经理、东方铁路的总经理。1899年12月19日，十八岁阿黛尔嫁给35岁的富商费迪南德·布洛赫。而她姐姐特蕾西之前也是嫁给了费迪南德的哥哥古斯塔夫·布洛赫博士。阿黛尔和费迪南德没有孩子。

       Adele擅长社交，经常在家中举办沙龙，聚集了一批作家，政治家、艺术家、知识分子。夫妇俩个都非常热爱艺术，收藏了许多艺术家的作品，费迪南德还热衷于新古典主义的瓷器收藏，到1934年，他的艺术品收藏超过400件，是世界上最好的收藏家之一。

        费迪南德非常喜爱克里姆特的艺术，委托克里姆特为妻子阿黛尔画像。克里姆特为阿黛尔创作了两幅肖像，而后来这两幅画都成为过亿的名画。

       费迪南德是希望把阿黛尔的画像作为礼物送给阿黛尔的父母。在1903年和1904年之间，克里姆特为此画了一百多幅草图来构思这幅作品。费迪南德还购买了克里姆特创作过程中的大约16幅左右的草图。 1903年12月，克林姆特访问了拉文纳的圣维塔莱大教堂，在那里研究拜占庭金色马赛克，克里姆特后来说，“令人难以置信的辉煌的马赛克”是对他创作阿黛尔最大的的“启示”。历时三年，他终于创作出带代表自己艺术高峰的“金色时期”的巅峰之作。

       阿黛尔**1925年死于脑膜炎。死前她叮嘱自己的丈夫，在她去世后要把这幅肖像捐赠给奥地利国家美术馆。然而随着二战爆发，1938年，德军占领维也纳，身为犹太人的费迪南德逃亡布拉格，继而又转辗奔赴苏黎世。战争期间，费迪南德的所有财产，包括克里姆特的画作都被德国纳粹强行夺走。1941年，这些名画又被奥地利国家美术馆收归国有。1945年费迪南德在瑞士苏黎世去世，按照他的遗嘱他的侄子侄女将继承他的财产。而事实上，他的整个家族包括侄女玛丽亚阿特曼，为了逃避政府的迫害，都逃亡美国。

       因此二战后，阿黛尔一号成了国家资产留在奥地利美术馆。似乎这并没有什么。本来也不应该有什么。然而奥地利政府在理所当然的得到了这些画时，却宣称费丁南德·布劳赫-鲍尔先生在遗嘱中提及希望这些画留在奥地利，所以他们就接管了这些画。

       鲍尔先生的侄女玛丽亚女士震怒了。她决定起诉奥地利政府，发誓夺回属于自己的合法财产。

        最终，经过千难万险，打了68年官司，直到1998年，奥地利政府才决定将阿黛尔一号归还给布洛赫家族。然而，由于法庭需要合法拥有者出示身份证明，直到2006年，奥地利法院才裁定《阿黛尔·布洛赫-鲍尔夫人画像一号》以及克利姆特其他四幅画作的合法拥有者是布洛赫-鲍尔的女继承人玛丽亚·阿尔特曼。玛利亚终于赢回了画作，找回了属于自己的五幅克里姆特的画作。这时她已经90高龄了。她带着这五幅画到了美国，将这5幅作品卖了3亿美元。《阿黛尔·布劳赫-鲍尔》拍出了13500万美元，成为当时全球最贵的画作。

       “这是我们的蒙娜丽莎，是值得一生一次的收藏，” 2006年，雅诗兰黛继承人、买主劳德解释自己以一亿三千五百万美元的高价收藏克里姆特画作的原由。罗纳德·劳德 （Ronald Lauder）创立的纽约新艺廊博物馆致力于收藏被纳粹偷走的犹太人艺术作品。2006年11月，阿黛尔二号也拍出八千八百万美元的高价。

       也许正是有了这样曲折的故事，更让我们觉得这幅奥地利蒙娜丽莎的珍贵吧。而她竟然一直留在美国，才更加让人觉得遗憾更加让人觉得美丽凄婉吧！

评述一个艺术流派或设计流派

        巴塞罗那，拉耶塔纳画廊；

       马德里，“收藏家”画廊。 巴伦西亚，瑟奥画廊；

       巴塞罗那，拉萨莱塔画廊； 应卡斯特利翁市政府之委托，绘制2幅大型壁画（其覆盖面分别为350平米和650平米）。

       1984年 阿姆斯特丹，丹特画廊，“马德里－拱门84”展；

       埃因德霍芬，飞利浦基金会。 马德里，埃斯蒂阿尔特画廊，古典版画展；

       比利时，布鲁塞尔与安特卫普，BP画廊，“欧罗巴利亚85”展；

       巴伦西亚，瑟奥画廊，古典版画系列。 卡斯特利翁，博里奥尔城，应自治政府之委托，制作一幅50平米的 搪瓷壁画；

       费雷，朔切－许晟博物馆；

       罗森达尔，童格洛胡伊斯博物馆。

       格拉纳达，马德拉萨宫和格拉纳达大学；马德里，公爵伯爵文化中心，“西班牙当代百名版画家作品”展；

       巴伦西亚，“Inter艺术88”展；

       比利时，根特，“Line艺术88”展；

       阿姆斯特丹，科林画廊，铁雕展。 巴黎，巴黎大展览宫，“传奇89”

       雕刻艺术展——与马德里埃斯蒂阿尔

       特画廊联袂举办；

       瑞士巴塞尔，“艺术89”展——由

       埃斯蒂阿尔特画廊承办；

       由萨拉曼卡储备银行承办的“萨拉曼

       卡－瓦利阿多里德－阿维拉－萨莫拉

       －帕伦西亚巡回“画展。 卡斯特利翁，为其天文馆制作一座高19米重42吨的铁雕；

       巴黎，巴黎大展览宫“传奇90”展；

       斯德哥尔摩，巴黎博斯克特画廊承办

       “艺术90”展；

       马斯特里赫，许斯特格画廊承办“欧

       洲国际艺术博览90”展。 巴黎，博斯克特画廊，“传奇91”展；

       斯德哥尔摩，“艺术博览91”展——西班牙展厅； 迈阿密，“迈阿密艺术92”展——由巴黎博斯克特画廊（绘画）和芝加哥卡斯·梅 里迪安画廊（雕艺）联袂举办；

       阿姆斯特丹，“艺术作品”画廊；

       巴伦西亚，“Inter艺术92”展——博斯克特画廊和迪奥纳画廊联合承办。 巴黎，巴黎大展览宫，迪奥纳画廊承办“传奇93”展；

       马斯特里赫，“欧洲国际艺术博览93”展；

       迪泽尔多弗，“综合艺术93”展——许斯特格画廊承办；

       芝加哥，卡斯·梅里迪安画廊举办油画展。 迈阿密，卡斯·梅里迪安画廊承办“迈阿密艺术94”展；

       埃维昂（法国），皇家俱乐部，罗斯特罗波维奇展厅布展；

       阿姆斯特丹，“艺术作品”画廊；

       阿姆斯特丹，“雕塑双年展”；

       迪泽尔多弗，“综合艺术94”展——博斯克特画廊和迪奥纳画廊联合承办 纽约，迪奥纳画廊承办“Expo艺术95”展；

       费雷，“文化三角洲”；

       洛桑纳（瑞士），保罗·瓦洛通画廊、涅德豪塞画廊及奥林匹克博物馆联袂布展；

       迪泽尔多弗，“综合艺术95”——黎明画廊和迪奥纳画廊联合举办版画与青铜制作品展；

       阿姆斯特丹，“艺术作品”画廊。 阿姆斯特丹，许斯特格画廊，“PAN-96”展；

       多特莱德，安特画廊；

       迪泽尔多弗，“综合艺术96”——黎明画廊承办版画与青铜制作品展。 巴黎，迪奥纳画廊；

       乌尔姆（德国，多瑙河畔），费舍普拉茨画廊；

       日内瓦，西加里尼画廊；

       赫托根博施（荷兰），许斯特格画廊；

       阿姆斯特丹，“艺术作品”画廊；

       洛桑纳，卡瑟兰·涅德豪塞画廊；

       多特雷赫/兰格洛克（荷兰），莱姆博克画廊；

       柏林，金恩画廊； 波尔多（法国），“空间”画廊；

       迪泽尔多弗，“综合艺术97”——费舍普拉茨画廊承办版画、青铜与树脂制作品展。 威尼斯，与贝伦戈玻璃艺术品烧制炉合作，制作玻璃雕系列；

       阿姆斯特丹，“艺术作品”画廊；

       明斯特，施纳克画廊；

       斯特罗佩兹（西班牙），查尔斯·瓦塞特罗工作室；

       马韦利亚（西班牙），何塞·帕罗莫展厅；

       帕尔马·德马略尔卡（西班牙），大型雕塑及油画作品展；

       迪泽尔多弗，“综合艺术98”——费舍普拉茨画廊承办版画、青铜与树脂制作品展；

       巴尔·达尔瓦（西班牙），为该城制作纪念性雕塑“巴尔·达尔瓦公牛”。 乌尔姆，费舍普拉茨画廊；

       明斯特，普兰内斯特拉斯画廊；

       迪泽尔多弗，“综合艺术99”——费舍普拉茨画廊承办版画、青铜与树脂制作品展。 阿姆斯特丹，“孔斯特RAI-99”展——贝伦戈美术画廊和许斯特格画廊合办；

       日内瓦，西加里尼画廊；

       新加坡，“体积与外形”画廊；

       萨洛（西班牙西北名城），“雕塑巡礼”（露天展出18件大型雕塑）；

       阿利坎特（西班牙），集体大学博物馆，“回忆使我们团结一致”展（20件镶嵌金饰的雕塑）；

       威尼斯，“威尼斯艺术－贝伦戈美术”展；

       比利亚雷亚尔（西班牙），比利亚雷亚尔博物馆举办铁雕展。 科隆，费舍普拉茨画廊承办“孔斯特－科隆2000”展；

       威尼斯，道奇展览宫设展“贝伦戈收藏1990－2000，玻璃艺术品10年”；

       苏黎世，比尔德拉赫门画廊；

       阿姆斯特丹，“艺术作品”画廊；

       赫托根博施（荷兰），许斯特格画廊组办大型雕塑展；

       瓦伦西亚，瑟马画廊；

       2000年 瓦伦西亚，阿尔穆迪展览宫，“最新创作及大型雕塑”展——巴伦西亚自治区政府博物馆管委会承办，并组织在巴伦西亚各地以及拉美一些国家作巡回展出；

       冈特（比利时），贝伦戈美术画廊与黎明画廊共同布展“Line艺术-根特2000”；

       阿姆斯特丹，贝伦戈美术画廊，“孔斯特RAI-2000”展。 瓦伦西亚，“塞维萨马2001”展出2件大型珐琅艺制品；

       萨洛，“贝雅”之塔；

       冈特，黎明画廊布展“Line艺术-根特2001”；

       瓦伦西亚，“护城”画廊；

       赫托根博施，欧洲文化城纪念展；

       卡尔佩（西班牙东部名城），大型雕塑新作展——由巴伦西亚自治区政府博物承办；

       阿姆斯特丹，许斯特格画廊，“孔斯特RAI-2001”展；

       威尼斯，贝伦戈美术画廊，“开放2001”展——与威尼斯国际**节同步；

       索里亚，“里波列斯－从里奥到德萨”

       2001年 威尼斯之穆拉诺，玻璃艺制品巡回展——欧洲议会组办；

       斯德哥尔摩，贝伦戈美术画廊，“斯德哥尔摩艺术博览”；

       日内瓦，西加里尼画廊。 阿姆斯特丹，“艺术作品”画廊；

       迈阿密，贝伦戈美术画廊，“迈阿密艺术博览“；

       根特，阿尔特马斯画廊，“Line艺术-根特2002”；

       西班牙莱昂，萨尔东画廊；

       卡斯特利翁，美术博物馆，“穆拉诺玻璃雕作品“展；

       阿姆斯特丹，许斯特格画廊和贝伦戈美术画廊，“孔斯特RAI-2002”展；

       卡斯特利翁，应市政厅委托而承制青铜纪念雕塑——竖立于韦尔托·索赫斯广场；

       巴伦西亚，铜雕“书前膜拜”——巴伦西亚自治区政府为巴伦西亚图书馆而建立；

       卡斯特利翁，为港口城市建立75周年而创制的一件纪念雕塑；

       卡斯特利翁，地方政府为促进艺术事业，在其美术博物馆布展；

       西班牙奥罗佩萨，铁制艺术品博物馆，“铁雕新作“展。 奥地利因斯布鲁克，彼得·波斯特画廊，“孔斯特梅斯国际<st1:chmetcnv w:st=on TCSC=0 NumberType=1 Negative=False HasSpace=False Sou

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       现代艺术的瓦解起源于古代地中海沿岸（埃及、希腊、西亚）的西方艺术到19世纪后期，出现了转变的苗头，这个苗头进入20世纪后，成为西方艺术的主流，这就是西方的现代艺术。

        可以把西方现代艺术看成是一座大厦。由各种不同类型的视觉风格组合而成，建造这所大厦的原理，是科学和理性。这是西方数百年来的思想文化核心，也是我们这里比较缺乏的东西，西方人凭借这些在技术和社会管理方面取得飞速进步；但也带来局限，是抑制生命的部分活力，比如男女相悦离不开自然的吸引力，如果只从职位、收入、门第角度考虑和计算，理性态度是有了，但感情会受影响。所以，在涉及人类情感和性灵的地方，不能只听科学的。

        现代艺术的创作，与科学思想密不可分，结构主义与立体派，工业技术思想与未来派、风格派，机械制造形式与达达派的机械图纸绘画，弗洛伊德的释梦学说与超现实主义，还有以理性手法表达非理性的抽象表现主义，等等，都是科学和艺术联手的结果，人们把艺术创作看成是一种有规律可循的造物过程，这样，艺术家出图纸，工厂按照图纸生产艺术品，就成了合情合理的艺术创作程序，1960年后的美国就是这个样子。那时，许多艺术家从事各种各样的工业与材料试验，发明新的合成材料，使用机械装置成为作品的动力系统，声光电磁成为新的艺术资源，下面几项艺术活动能说明当时的情况：

        （1）光效应艺术（OPArt），这是一种基于光学知识的心理试验艺术，创作者通过精确校正的色彩和几何形制造出有动感的光色效果，代表艺术家是布里奇特·里列（Bridgei Riley）和瓦萨雷里（Vasa-relev）。

        （2）极少艺术（nIlnlnlallsn1），突出特征是以工业方式生产艺术品，追求数学的精确性，代表人物是贾德（Donald Judd）,作品通常是相同单元的重复。

        （3)“动态雕塑”（Kinetic Art），有许多代表人物，如瑞士人廷古莱(Jean Tit-ian），制作了变体绘画机器，为首届巴黎双年展制作了一台“有香味有声音的变体汽车”；莱里（Len Iye）制作了有微妙平衡的活动雕塑，等等。

        (4）灯光雕塑（Lighi Ari）是雕塑的另一发展方向，其形式类似霓虹灯广告。代表人物是青年艺术家弗莱温（Dan Fla-vin)。

        （5）1966年纽约军械库举办《艺术和工程》试验展览，展出许多高科技手段设计的艺术品，并由此带动艺术家和科技工作者的紧密合作。随后成立的’艺术和技术试验”组织，有3000人参加。

        还有更多的类似活动，频繁地出现在世界各地，形成风潮。如纽约现代美术馆有“机械”展，惠特尼美术馆有“光”展，伦敦有机械“动力”艺术展，洛杉矾有“工业”展，等等。科技力量由介人艺术发展到支配艺术，西方现代艺术在借助科学力量创造新成果的同时，也把自己送上了不归路。

        下面这些艺术家是1960年代艺术与工业结合的代表：

        （1）色面抽象画家纽曼（Barnetr-man），以近乎不断重复的方式，制作单一色块。

        (2）金属雕刻家大卫·史密斯（David SITiith，1906～65），早年在军事坦克工厂做焊接工人，后来就发展出一种钢雕刻，这种雕刻提供给观众的是它的没有实际功能的机械性品质。

        （3)行动艺术与色百抽象结合的画家弗兰肯塔拉（Ftankenthaler,1928-）对抽象表现主义资源的再利用,把艺术变成某种物理信息的表达.(4)黑条画家吏泰拉（Frank：tLixlla，1936-），使用铜和铝探讨不同形状的画布造里，以矩形和棱形为多，创作大、规模的色快分割作品。

        二、现代艺术的性质有学者把西方美术的历史概括为三个阶段，即：前现代一现代…后现代。这个分期法中，一切艺术都是围绕着“现代”来确定其时段的，“现代”成了划分历史的坐标，这个分期法狠简单，也容易记，我们不妨惜来一用。

        旅美日本文学理论家洒井直木（NaOki SakiIJi）在一篇谈日本后现代文化的文章中说："前现代一现代一后现代的序列暗示了一种时间顺序，我们必须记住、这个秩序从来都是同现代世界的地缘政治构造结合在一起的，现在众所周知的是。这种秩序基本上是十九世纪的历史框架,人们通过这个框架来理解民族、文化、传统和种族在这个系统里的位置."历史阶段的划分不是纯然时间性的，而是和空间纠葛在一起的。这意思是说，在同一时间里，不同地域可能分别处在不同的文明阶段；比如同处19世纪，中国是封建帝制国家，而西方早已进入资本主义，因此，有人说凡是当代出现的艺术都是当代艺术：是不对的，现在我们国家展览会中出现的许多美术作品就不具有当代艺术的特征，甚至不具有现代艺术的特征，这正是东西方地域差别的结果。

        无论是“前现代”还是“后现代”，都是与“现代”进行比较后才可能产生的看法，弄清什么是“现代”，是进行这种比较的前提。我们可以从两个角度体察“现代艺术”发生转变的原因。

        一种是风格和形式的角度，这是一种数量的概念。从理论上说，我们可以计算出西方现代主义阶段创造的视觉形式和风格的数量，这个数量很多，以倍数超出已往任何时代，也是中国已有美术形式和风格的总和也无法比拟的数量。

        另一种是价值的角度，所谓价值，是断什么好，什么不好的标准，价值是质的概念，关系重大。不同价值观导致不同的评价结果，比如，用明清文人的价值观看今天的中国画，就会认为今不如昔。

        从数量角度看现代艺术，我们会发现西方艺术家们在短短半个多世纪里，以多角度。全方位的探索精神，实践了艺术形式（架上艺术）变革的各种可能性，乃至没给后人留下多少有待探索的空间。革命已经成功，同志无须努力，后来的艺术家只好另辟踝径。

        从价值角度看现代艺术，我们会发现它基本上属于精英文化范畴，能坚守高雅艺术的节操，不屑于与凡俗为伍，这种观念就其本性来说，是历史上贵族文化的衍生物，但社会变化了，精神贵族们失去了世袭领地，也只好去尘世中摸爬滚打。

        具体说，现代艺术的价值观表现在下列凡个方面：

        (1)追求纯粹。现代艺术追求视觉产品的纯粹性，在创作中只考虑形式要素，忽略其他因素，如历史、宗教，文学等内容的介人，因而促成抽象艺术的发展。一般说，追求纯粹是精英化和专家化的思想，有局限性，等于画地为牢。

        (2)提倡原创，这是把体育竞技的标准用到艺术上，把艺术创作看成是艺术史上的破纪录竞争，但体育是优胜劣汰，艺术可不是这样，艺术的发展不是进步，是改变。比如不能因为有了毕加索就说伦勃朗差。

        (3)引形式至上，重视形式不是现代艺术特有的习性，古典艺术也非常讲究形式感，但古典艺术的形式服从内容表现，或者说，形式隐藏在形象的后边，而现代艺术是为形式而形式，赋予形式以独立价值和功能。

        (4)叫自我中心。现代艺术家多闭门造车，表现自我，不考虑观众，还经常通过怪异行为和奇装异服而显示与众不同，因而作品也十分个人化，不容易理解，也因此帮助美术批评家获得了解释此类作品的特权。

        （5）整体单调。这是指在现代艺术流行时期，一切非现代的作品，如传统写实手法的、有民族地域特征的、非发达国家的作品，均被排斥，弄得全球艺术家都要使用“跨国界语言”，因而造成了一定程度的全球性艺术语言贫乏症。

        从以上几个方面看，我们就能理解，有反对它的力量出现，是件自然而然的事情。

        三、后现代艺术的出现反对现代艺术的力量是在1960年代未出现的。

        就在科技强权席卷一切，精英化，纯粹化的艺术山穷水尽的时候，新的艺术活动出现了，这些活动与当时的潮流是那么不同，竟然使西方艺术峰回路转，另开局面。下面就是当时新出现的几项艺术活动：

        （1）大地艺术（LandArt或Earth Art），可以看成是室内装置作品向户外发展的结果，最早的样式可以追溯到古埃及的金字塔和英国的斯通亨治圆形石柱，而美洲的广阔土地为当代艺术家提供了展示才能的舞台。以沙漠、高山和草原为原始材料，修整出或附加上巨大的几何形式，是大地艺术的早期特色。最有名的作品是罗怕特·斯迈森（Robert Smithson）的《螺旋形防波堤》，这个堤坝宽15英尺，观众可以沿着堤坝走几圈，除此而外没有任何实用功能。

        （2）装置艺术（InstallatiOn），是一种由非艺木材料构成。可在室内短暂陈列的立体展品，其中极少部分也会被博物馆收藏，它是一种布置展品的方法而非艺术特色或风格，所以它可以为许多艺术流派服务。最初的装置由弃置传统雕塑材料而来，其主要定义是：“（1）它们是装配起来的，而不是画。描、塑或雕出来的；（2）它们的全部或部分组成要素，是预先形成的天然或人造材料、物体或碎片，而不打算用艺术材料”。早期装置艺术的代表是德国的达达艺术家施威特（Kllrt schw-Itter），他在1920年代用各种材料将自己的住宅堆满。

        （3）身体艺术（BodV art），是创作者将自己的身体作为艺术表达的材料，并结合绘画、摄影、录像或其他现场记录手段。形成的一种非戏剧化的表演艺术，“非戏剧化”是指无虚构、表演和做作成分。如勒瓦（Barry Le Va）的作品就是在相隔十几米的两堵墙之间跑来跑去，直到累倒为止。另一位维托·阿康西（Vito Acconci）曾经是个诗人，心理上有受虐倾向，比如他努力去咬自己身体上能咬到的部位，不咬出痕迹不罢休，还在公开场合手*，并且架上扩音器将声音传播出去，迫使公众成为“窥*”者，试图以此冲破社会禁忌，还有一位是克里斯·怕登（Chris Burden），这个人更是受虐狂，代表作《5天囚禁》是连续5天将自己关在一个铁箱子里；另一名作《枪击》是让他的朋友在匕英尺外向他的左臂开枪，这种惊世骇俗手法，使他立刻获得了世界声誉。

        （4）概念艺术（ConceptuaI Art），来源于1920年代早期的达达艺术，认为艺术没什么神圣和持久的价值，它的本质是思想或者概念，物理形态的具体作品并不重要，所以也叫思想艺术（Ideaart），后物体艺术（Post Object art）或无物体艺术（De-materialized art），用来记录思想的文字材料，或者对一个事件的照相实录，是概念艺术的常见形态。概念主义艺术家探询艺术与思想或者艺术与知识的关系，这种探询的终点是文字的、数学的或美学与哲学的，从道理上说，这种作品实际上不是用来观赏的，传统的展出形式不适用。但既要展示内在思想又要避免外在形式，仍是长久的难题，那些被看成是观念艺术的作品，多是在美术馆和其他公众场合展出一些临时性的装置，例如随便堆放一些木头、砖块或其他杂物，有一个例子是在美术馆中展出一个巨大的鸟笼，里边有些活的鸟和其他物品，另有一个概念艺术团体则是一些从事随笔写作的人。代表人物有约瑟夫·库苏斯（Joseph Kosuth）、迈尔·波施纳（MeI Bochner）和汉纳·道波温（Hanne DarbOven）等人。

        （5）过程艺术（Process art），认为艺术的制作过程比事先的构思重要，体验时间流逝胜于观看静止和持久的物体，力图表达瞬间即逝的短暂存在，此种艺术多使用易于体现时间变化的软性材料，最初的来源是波洛克和德库宁在创作中随意滴溅颜料的偶然性，创作过程多是作者对展出材料的任意改变。代表人物是罗伯特·莫里斯（Robert Morris），他的一件作品是在展厅里堆放一些没有任何价值的混杂材料。他每天去改变这些材料的放置状态，到展览结束时就将这些东西收起来扔掉。

        有了上面一些活动，此后的西方艺术就出现两种相反的发展趋势，一种是纯艺术，就是让艺术保持独立品性，以区别其池事物。在纯艺术里，什么是绘画，什么是雕塑，有着明确的质的界定，另一种趋势则是混淆艺术与非艺术的界限，尤其是混淆艺术与生活的区别。前一种艺术的所谓“纯”，恰好是后一种艺术所竭力排斥的东西。而排斥的理由则是认为艺术的本质是启发创造性，人为地划分艺术范围是对刨造力的束缚，只有当艺术与生活融为一体时，艺术的创造力才能在最广泛的程度上得以体现。

        新的艺术思想传播迅速，到川的年前后，美国的艺术杂志中就不再是满篇塑胶钢和几何型了，天然材料，行动的过程，环境和观众的介人，语义解析，摄影实录，逐渐成为艺术传媒的主要报道内容。至此，现人艺术的观念、方法和形式有了重大改变，人们说的后现代艺术，就是从这个时候开始的，下过，艺术吏的更迭不是军事交接。下会形成截然两端的局面，所谓新与旧，尾声与开场，往往同时存在，只是论述者为了叙述方便，习惯将纠缠在一起的事实分开来说，囚此，我们常会看到学者们对许多所谓流派运动的开端有众多说法，本文论述后现代艺术，因为要刻意寻找时间推移的秩序，就无法同时兼顾空间的划分,这是要请读者注意的。

        促成西方现代艺术在1960年代未转变形态的原因很多，通常认为与下列社会背景有关：

        （1）美国在越战的失败，导致反对战争的情绪增长，再加上冷成格局下的国际环境，陵人们对于人类社会和现实生活不抱有大多希望，并进一步开始蔑视已有的人类生活准贝1。在文化领域出现反主流和否定永恒价值的倾向。

        （2）工业发展的副咋用。工业的进步曾给人类社会展示了美好的前景，但副作用也越来越明显，环境污染，能源紧缺，有毒废料，核武器危险，陵人们认识到，科学技术在解决一些问题的同时，叉带来了新的问题，人们开始清醒地看待工业进步的利弊得失，对科学方法产生了怀疑。

        （3）社会问题突出，丰富的物质生活解决不了精神的问题，战后“垮掉的一代”出现。1968年，欧洲和美国都出现了学生运动热潮。

        （4）新思想的出现。欧洲j午多哲学家们对当代文化提出了新看法，从而对艺术界产生影响，这些哲学家包括罗兰巴特、福科、德里达、拉康，利奥塔等人，他们对已有的社会抖学理论提出吠疑，关任多种文化形态，引导人们怀疑任何单一的理论框架和终极判断，在艺术领域则是重新肯定具象的价值，从而导致对追求形而上的现代艺术的脱离。

        除了上述外在因素，过分理性儿和科技化是促使艺术方向发生转变的内在原因。需知人类的精神世界和自然生态一样，既变化万端又相互平衡，如果其中某仲囚幸过分发展，就会有相反的力量来克服它。如果科学对艺术干预大多，就会有反科学的力量出现。

        四、后现代艺术的价值观1980年代以后，以美国为中心，后现代艺术已经风起云涌，成为新的世界性的艺术潮流。综合地看这些艺术现象，可以明显感知新的价值现在成长，它主要表现在以下几个方面：

        （1）不求纯粹，当代艺术不局限于视觉形式，语言文字、音乐戏剧、大众传媒。数码影降、声光电化，只要能传达特定信息，就无所不用，绘画超越平面限制，雕塑结台风景和建筑，展出场地也不局限在画廊扣博物馆，在当代西方，所谓视觉艺术已经与其他门类艺术难分准解。

        （2）善侍传统。人类有丰富的传统文化资源，弃之如蔑很可惜，当代艺术家不反对传统，而是利用过去以更新自我。在时间和环境改变后，旧符号可能产生新意义，分冰的“天书”，蔡国强的“草船惜箭”。都是这样。

        （3）非个人化，在艺术之上，除了19世纪后期到J）世纪中期这段时间，“个人表现”都不是创炸的主要目标，后现代艺术强调社会功能，使艺术走出象牙塔，贴近大众生活，艺术家以天下任为己任，关心社会问题，积极参与社会活动，不再是特立浊行的另类人物。

        （4）多种标准，“多元”是当代艺术的核心观念，虽然国际上仍有主流艺术趋势的存在，但却不再用统一的标准判断优劣，比如承认不同国家，民族，地域的艺术的价值，女性艺术、土著艺术，非发达国家艺术受到重视，等等。但也因此出现繁杂混乱的局面，难以系统化。

        综合以上的论述，也许我们可以对后现代艺术有个粗浅的认识：它起源于对现代艺术的反叛，发展出表达思想和传递信息的新方法，观念的更迭，技术的转换，以及它所代表的公众意识、多元价值观和自由创造精神，体现了西方当代文化中的发展趋势，但由于地域，文化和体制的不同，中国美术界还不能在短时期内以整体面貌融入这一全球范围的艺术运动，但这并不妨碍新艺术因素的增长，也不妨碍我们从常识的角度去获得西方当代艺术的知识。

        五、杜尚的启发在涉及西方后现代艺术的话题时，不能不提到法国画家杜尚（MarceI Du-champ）调池被人们描述成西方后现代艺术之父，理解他的艺术和生活，对理解西方后现代艺术的诸多奇妙现象大有帮助，但理解杜尚是个难题）因为他的作品与生活都与常人相去太远；难以合理解释。

        虽然杜尚的艺术实践止于1930年代。而且在1968年去世，但他旱期的短暂艺术活动却在后来产生了持续的影响力。1913年他完成了第一件现成品艺术《自行车轮》表达对传统作品中注重结构的轻视。并暗示艺术创作中最重要的因素是观念而非制作技巧。《巧克力研磨机八号》差不多是杜尚最后一件架上作品，是对学院派油画的嘲弄。1915年后杜尚定居纽约， 1917年完成《泉》是一只小便器；另一件作品是L.II.O.O.Q,（1919），是给印刷品《蒙娜丽莎》添上小胡子。杜尚最重要的作品是《大玻璃》又名《新娘被她的汉子剥得精光》，该作品从1915年开始制作，至1923年仍未完成。192O年后，杜尚对光学和**的兴趣与日俱增，川年代后他又将兴趣转到国际象棋上。

        杜尚最重要的贡献是“现成品”艺术。虽然从世俗的角度看，把现成的工业产品或是其他物品摆到美术展览会上是荒诞不经的，但事实上这却改变了人类对艺术乃至对世界的整个看法，人们开始质疑传统价值观念和艺术创作模式的必要性，至少。在西方后现代艺术中，“现成品”的影响无处不在，并从以下几个方面给人们以启发：

        （1）形式与美都不重要。自古以来，艺术家以创造美的形式为天职，并赋予此类工作以崇高的地位和价值。但杜尚认为美并不存在，艺术和创造艺术的人也没什么特别崇高的地方，他告诉人们，普通物品与艺术品没什么区别，果艺术是美的；那普通物品也是美的，如果普通物品不美，那艺术也好不到哪儿去，所谓艺术的审美价值只不过是人们的成见而已。他把那个“小便池”送进展览会，对打破这个成见起了很大作用。

        （2）环境和时间比作品更重要，变现成品为艺术品的决定因素是环境和时间。与作品本身无关。这说明，在一定条件下。任何东西乃至行为都可以是艺术；也可以反过来说，当条件改变时，任何东西乃至行为都可以不是艺术，按中国话说，就是此亦一是非，彼亦一是非，由于环境和时间永远在流动扣变化中，所以文艺复兴的经典“蒙娜丽莎”到了20世纪，就可以被画上小胡于，成为笑料；囱行车轮和凳子放进美术馆里，就等于结构主义的雕塑。

        （3）引艺术回到自发和天然的状态，人类最初的艺术活动是自发和天然的，无须专门训练，更没有艺术家和非艺术家之别。但后来就有了分工，艺术成了一项专门的工作，也因此有了专门的关于艺术的标准。显然，这种分工和标准是以往制度的产物。有碍于健全的人性发展。如果在社会条件改变的情况下，仍然把这些已有的标准当成至高无上的法则要人们遵守，就太不合理，“现成品艺术”就是完全不把已有的艺术标准乃至文化尺度放在眼里，以一种看似搞笑而实际上相当深刻的思想，嘲笑了人类在文化领域的拘谨和匠气，从而呼唤一个新的富有自由创造精神的时代的到来。

        （4）叫取消技术的限制，人们久已习惯将艺术创作看成是一种专门的技术操作这程，所以才有美术学院和专业画家，“现成品”艺术却与作者的个人技术无关，它只需要一种选择的眼光，而选择是一种思考过程，与物质产品的制作技术毫无关系。杜尚在这里告诉人们，艺术的价值在于思想。有思想，任何物质产品都可以成为艺术品。这种将艺术等同于思想的做法，客观上取消了传统意义上的艺术学科，暗含了艺术与艺术史即将终结的理论判断。

        美国画家德库宁（De Koonig）说：“杜尚一个人发起了一场运动一一这是一个真正的现代运动，其中暗示了一切：每个艺术家都可以从他那里得到灵感”，以似乎是随手拈出的“现成品”，轻松地扭转了西方艺术发展的方向，是杜尚留给后人的先驱者形象。杜尚之后，反对一切既定的艺术模式和评判标准，以毫无挂碍的自由精神为艺术创作目标，成了西方艺术界的共识。

阿尔特卡尔曼汽车是什么国家出的

       企知道数据显示，长春阿尔特汽车技术有限公司成立于2004-04-01，注册资本500.0万人民币，参保人数270人，是一家以从事软件和信息技术服务业为主的国家级高新技术企业。公司曾先后获授“国家高新技术企业”、“省级工业设计中心”、“省级工业设计中心”等资质和荣誉。

       在知识产权方面，长春阿尔特汽车技术有限公司拥有专利信息达到15项。

基督诞生的德国名作

       阿尔特卡尔曼汽车是中国生产的，生产商是阿尔特汽车技术股份有限公司。

       阿尔特汽车技术股份有限公司2002年9月在北京成立的汽车公司，早期名叫“北京精卫全能科技有限公司”，后更名为“阿尔特（中国）汽车技术有限公司”。该公司主要从事与汽车开发生产相关的技术、技术咨询以及汽车零配件进出口等业务，奇瑞QQ6的整车设计与开发便是由阿尔特主持完成的。

       阿尔特卡尔曼采用了棱角的设计语言，整体造型夸张，并且彰显硬派SUV的气息。同时，新车在前灯组、前雾灯以及转向灯中融入了LED光源。车身方面，新车侧面线条较为复杂，而车尾逐渐上扬的线条，使得新车又多了一份运动感。

扩展资料

       阿尔特卡尔曼车型介绍

       2016年4月25日北京车展正式开幕，阿尔特公司在本届车展上发布了卡尔曼车型。该车在外观方面采用了独特的棱角式设计，其全球限量推出10台，售价为1200.00万元。

       卡尔曼基于福特F-450底盘打造，动力搭载6.8L V10发动机。新车内部整体采用了深色调处理，车内饰板及地板采用了深色的木纹材质，**/白色的氛围灯以及星光车顶也提升了内饰质感。

       百度百科-阿尔特卡尔曼

世界前十名美术馆镇馆之宝？

       画作名称：《基督诞生》

       创作年代：约1511年

       创作者：阿尔布雷希特·阿尔特多弗 （德国）

       规 格：36.2cm×26cm材 料：板 油彩

       存藏处：柏林 国家美术馆藏

       作品赏析：

       这幅画有着细密画的风格特征，在宗教气息中保有浪漫的诗意。基督诞生的神圣瞬间，被处理在一间世俗生活的破房子里，削弱了宗教气氛。室内与室外、夜空与白昼、天上与人间等，多个空间被组合到一个画面之中，体现出一种浪漫的风格。

       1.史密森尼博物院 热点推荐：卡耐基夫人桃乐丝的红宝石拖鞋，各届第一夫人的服装，美国国家历史博物馆馆藏的第一面星条旗，美国国家历史博物馆的宝石厅（包括“希望”钻石），怀特兄弟1903年首次飞行的飞机——“圣路易斯精神号”，还有美国航天航空博物馆的阿波罗11号指挥舱。 2.卢浮宫 热点推荐：《米洛的维纳斯》、《萨莫色雷斯的胜利女神像》和达。芬奇的《蒙娜丽莎》。 3.埃及博物馆 热点推荐：首先是王族墓室内的陪葬珍品，特别是图坦卡门墓室。其次是皇家木乃伊陈列室，在这里你将有机会和伟大的法老们面对面，其中就包括塞提一世（Seti I）和拉美西斯二世（Ramses II）。 4.俄罗斯国立艾尔米塔什博物馆 热点推荐：珍宝美术馆的黄金陈列室展出来自欧亚大陆、远古的黑海和东方国家的黄金杰作。博物馆里还展示了尼古拉斯二世的私人收藏品，包括油画、素描和为了纪念他加冕而制作的纪念章。 5.大英博物馆 热点推荐：大英博物馆的埃及文物陈列室，这里是埃及本土以外的世界第二大埃及收藏馆，包括了公元前196 年的罗赛塔石碑。 6.普拉多博物馆 热点推荐：鲁本斯的《三美图》（The Three Graces）。 7.大都会博物馆 热点推荐：《亚当与夏娃》，阿尔布莱希特.丢勒的著名雕版画，它将是你在这里发现的最难忘的作品。 8.梵蒂冈博物馆 这里由22个独立的美术馆组成，每一处都华丽、迷人，而且一处更胜一处。最有名的要数克里门提诺陈列室（Museo Pio-Clementino），这里有辉煌的经典雕刻作品。拉斐尔画室（Raphael Rooms）的所有房间都是拉菲尔的画作。布雷拉画廊（Pinacoteca）包含了梵蒂冈中世纪和文艺复兴时期最好的油画作品。当然还有米开朗琪罗的西斯廷教堂。还有在埃及美术馆（Museo Gregoriano Eqizio）展出的埃及人和伊特鲁里亚美术馆（Museo Gregoriano Etrusco）展出的伊特鲁里亚人遗物。而其他的展览更加精彩。 9.乌菲兹美术馆 热点推荐：波提切利的《维纳斯的诞生》是其中之一。 10.荷兰国立博物馆 这里拥有近100万件收藏品，是荷兰最大的艺术历史博物馆。 热点推荐：伦勃朗的《夜巡》。 雅克马尔-安德烈美术馆 电话：33-(0)-1-45-62-11-59, 收藏还包括了几幅卡纳勒罗和伦勃朗的作品，最好的要数15世纪到16世纪几位意大利天才的作品：波提切利、多那太罗、曼特纳、德拉?罗比亚和乌切洛。佛兰德斯画派的孟陵、马西斯和范?戴克的作品也有收藏。其他如荷兰油画家雷斯达尔，法国油画家兰克累、夏丹、布歇、福拉哥纳德和大卫等人的大作也在其中。 古根海姆博物馆 电话：34-94-435-90-80 这座当代艺术博物馆由北美建筑师弗兰克.盖里（Frank Gehry）设计，坐落在毕尔巴鄂市中心的诺温河（The Nervion River）畔。这里从1997年对外开放，目的是为了给这座城市增添活力色彩，并致力于复兴整个巴斯克地区（Basque）。 博物馆里的19座美术馆面积覆盖数千平方米，雕塑般的空间建筑与陈列的现代作品相互辉映。这里的永久收藏包括杰夫.昆斯、路易斯? 布尔奇和理查德?赛那的艺术作品。 值得一提的是，建筑本身与里面陈列的艺术品同样精彩迷人。从开放起这里就成为国际建筑界的一颗璀璨明珠。盖里将不同的形状和材料相结合，然后利用计算机将各个部分结合在一起。从这座雕塑的建筑里，你将看到由石灰石建造而成的八边形石块，整面的玻璃墙和随处可见的覆钛式复杂结构。热点推荐：著名的西斯廷教堂和拉斐尔画室一定不要错过。

       好了，今天关于“阿尔特国家美术馆”的话题就讲到这里了。希望大家能够通过我的介绍对“阿尔特国家美术馆”有更全面、深入的认识，并且能够在今后的实践中更好地运用所学知识。